Un año más, Urvanity se ha llenado de artistas que se presentaban en la feria por primera vez, emergentes y establecidos, que entran a formar parte de nuestro universo. Nos damos un paseo entre las veintisiete galerías participantes este año para descubrir algunos de los trabajos de los artistas que más nos han sorprendido en esta última edición. Toma nota de algunas de las propuestas más frescas.
Cesc Abad
Víctor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona)
Cesc Abad (Barcelona, 1973) vino a la última edición de Urvanity 2021 representado por la galería también barcelonesa Víctor Lope Arte Contemporáneo. Nos sorprendió a todos con sus magníficas piezas de cerámica, primitivas, sexuales y auténticas y una obra pictórica en la que el artista ha desarrollado un interés especial por el hombre y su relación y efecto sobre la naturaleza. Después de años de estudiar a los grandes maestros de la pintura, encontró su herramienta técnica en la pincelada postimpresionista y la historia en el simbolismo. El trabajo principal de Cesc Abad se realiza en grandes formatos usando pintura al óleo y acrílica y también, como contrapunto a la pintura, la cerámica también tiene un lugar muy especial.
Johan Deckmann
Badr El Jundi Gallery (Marbella)
Johan Deckmann (Copenhagen, 1976) es un artista afincado en Copenhague, psicoterapeuta en activo y autor, cuyas obras examinan las complicaciones de la vida a través de frases pintadas en las portadas de libros ficticios de «autoayuda». Los títulos de estos libros, a menudo llenos de sátira y humor mordaces, abordan las mayores preguntas, miedos y absurdos de la vida.
Reconociendo el poder del lenguaje tanto en la terapia como en el arte, Deckmann consigue formar frases sencillas que comprimen la información, los sentimientos o las fantasías en una esencia, y una verdad que tiene un efecto muy parecido al de la terapia. «Las palabras adecuadas pueden ser como una buena medicina», afirma Deckmann. Mientras la mayoría de los títulos de sus libros oscilan entre lo hilarante y lo conmovedor, subrayados por su color desvaído y su textura desgastada de guías de autoayuda de la época de los años 70, los lectores son llevados a través de un viaje de autorreflexión y búsqueda del alma mientras recorren toda la obra de Deckmann. Su práctica psicológica tiene una gran influencia en su arte, no sólo por servir de inspiración para el contenido de sus obras, sino también como recordatorio constante de la responsabilidad personal.
Precisamente la obra de Deckman, presentada por la galería marbellí Badr El Jundi Gallery fue una de las seleccionadas por la fundación Casa de Indias para su premio de adquisición.
Daniel Nuñez
Alzueta Gallery (Barcelona)
Daniel Núñez (Madrid, 1988) es un artista visual divergente entre el diseño y las artes plásticas. Su obra artística se mueve entre estilos tan variados como el Art Brut o el neo-expresionismo abstracto, dentro del contexto del arte urbano y sus soportes pictóricos transitan entre los lienzos y los muros, incluyendo la instalación. Esta experimentación sobre el soporte es resultado de un aprendizaje constante y una necesidad de crear casi obsesiva. Su objetivo personal es el desarrollo de un lenguaje propio, cuya conclusión es la reflexión sobre el discurso tradicional de la pintura, creadora de una nueva narración.
Durante la feria de Urvanity nos sorprendieron sus obras con un aire naive donde predominaban los colores pastel, junto al resto de artistas que presentaba Alzueta Gallery y en las que utiliza un vocabulario de símbolos de la vida cotidiana que rodean al artista. La investigación se desarrolla fundamentalmente movida por la curiosidad de encontrar la belleza en lo banal, sobre el lenguaje de los objetos y su impacto en el día a día del propio artista. Esta curiosidad produce piezas sencillas, llenas de sutilezas, que mantienen una tensión equilibrada entre lo material y lo intangible.
Richard Burton
Lariot Collective (Londres)
Richard Burton es un artista afincado en Londres que trabaja tanto pintura como dibujo y cuyo trabajo ha sido expuesto regularmente en el Reino Unido y en el extranjero. Se formó en el Royal Drawing School y actualmente forma parte del programa de Máster en Pintura del Royal College of Art.
Durante la feria pudimos ver su obra en el stand de la galería “nómada” basada en Londres, Lariot Collective para descubrir los colores cálidos y las texturas aterciopeladas de sus obras, que nos trasladan a escenarios retro, y a descubrir una fijación del artista por los interiores de los coches, y en especial sus asientos. Además, sus obras fueron las seleccionadas durante esta edición por la Colección Solo para otorgarle el premio adquisición.
Mico Rabuñal
Furiosa Gallery
Nubes de golosina, ‘lollipops’ como los que masticábamos de pequeños, helados, gomas de borrar y otro material escolar… Con una técnica trabajadísima, Mico Rabuñal ( A Coruña, 1979) talla objetos de la cultura popular en piedra con un realismo sorprendente. Su trabajo se encuadra dentro de Pop Art aunque su particular talla en piedra hace aún más especiales a golpe de cincel todos los productos y objetos que representa.
En el 2010 decidió establecerse en su casa taller ubicada en Arteixo; donde ha podido desarrollar libremente su obra gracias a la plena dedicación y a la técnica aprendida. ¡En directo te sorprenderán!
Isabella K. Cancino
Padre Gallery (Nueva York)
Las ilustraciones de grafito, lápiz de color y tinta de la joven artista Isabella K. Cancino (California, 1995), intrincadamente estilizadas, indagan en sus emociones más personales. Representada por la galería neoyorquina Padre Gallery conocimos su trabajo en blanco y negro en esta edición de la feria. Cancino ha estado expuesta al arte y a la literatura infantil clásica desde una edad muy temprana, y comenzó a encontrar su estilo artístico en esta línea, lo que se convirtió en su obsesión por el dibujo, al tiempo que pretendía encarnar el mismo sentimiento clásico de los ilustradores de sus cuentos favoritos. Autodidacta, Isabella utiliza sus personajes para contar una historia que juega con las emociones personales y con temas y narrativas solitarias, que simpatiza tanto con niños como adultos. ¡Síguele la pista!
SMACK
Onkaos (Madrid)
Ton Meijdam, Thom Snels y Béla Zsigmond son SMACK, un colectivo de diseñadores formado en 2005 que combina la excelencia técnica con un enfoque crítico de los problemas contemporáneos. Una tendencia que desde mediados de la década de 2000 se conoce como «diseño para el debate», y SMACK se encuentra entre sus nuevos y más interesantes defensores.
Imágenes generadas por ordenador y efectos visuales, combinados con comentarios incisivos, sus películas de animación abordan temas como el comportamiento de las masas, la vigilancia, la omnipresencia de las marcas y la identidad personal en la era de la información. Durante la feria, representados por Okaos, la plataforma de arte new media, presentaron obras NFT en las que una única figura era protagonista de la piezas. Además de estar presentes en la feria, estas obras formaron parte del programa de arte digital que presentamos junto a JCDecaux en el que más de 50 mupis digitales ubicados en el centro de Madrid mostraban videos en loop de 10 segundos de duración de sus obras.
Las creaciones de SMACK han recibido numerosos premios, y su obra digital SPECULUM, una interpretación de El jardín de las delicias de El Bosco con tres pantallas digitales interpretando Paraíso, Edén e Infierno, estas dos últimas encargadas por la Colección SOLO, es una de sus piezas maestras.